时尚穿衣（如何穿得像个艺术家，怎么成了时尚圈新人设？）

 

“我从不冒险离开时髦的当代”

不知道你是否也会这样，在很多时候会为了某种特定的场合而绞尽脑汁一番？

无论如何选择，穿着也会从出门的那一刻起被渲染上不同层面的情绪价值。仿佛一种无声的语言，打破着时尚一贯被人嗤之以鼻的所谓“肤浅”与“低级”。

就像96岁高龄的女性艺术家路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）曾说过的：“人们穿衣服，无非是想展示些什么，同时，隐藏些什么。”

而近些年来，我们不乏能看得到“如何穿得像个艺术家”俨然已成为了一种时装界的新人设，受人追捧。

这不难让人想起前不久Raf Simons和Miuccia Prada围绕着艺术与时尚的“破冰”对谈，从人们曾会对艺术界说“Bleurgh，这是时尚”，到如今艺术越发愿意与时尚联系起来，而时尚界也到处是有知识的人。

的确，时尚从未真正脱离艺术，即便它们之间的关系甚至可以说是共谋且暧昧的，艺术一边在质疑着时尚，一边又在给予时尚它所青睐的姿态。

而同样，它们也在互相“搀扶”走过的这些年来逐渐模糊着彼此的边界，无时无刻不在打破当下市场的壁垒，并审时度势地抱团取暖。

每当这时，那个能潇洒自如地游走于这两种媒介中的主人公之一——艺术家，似乎又再次进入了人们的视线。

带着他们赤裸裸的直觉与人格魅力，将自我作品上所呈现出来的思想与批判重新映射于着装之上。

且随着与另一位主人公——时装先驱的合作，于特里·纽曼（Terry Newman）笔下，在时尚与艺术的“冲突”中扮演着一种永不失序的调和剂。

身为一代标杆型女性艺术家，如果说弗里达·卡罗的艺术人生是坦率而多舛的自救，那么路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）则更像是一场充满隐喻的疗愈。

她总是喜欢穿着引人注目的衣服来展现自己的态度，尽管一生的作品都掩藏于原生家庭所带来的不安与焦虑的气氛中。

出生在巴黎的Bourgeois，从孩童时期就已经穿上了巴黎设计师的作品，以至于后来在《纽约时报》的采访中，她回忆起儿时父母关于她应该穿什么的争执，竟成了她最初的艺术灵感来源。

Bourgeois终其一生都在创作，而衣着也犹如她“大器晚成”的艺术作品一般，在后期形成了巨大的颠覆。

特别是2008年关于她的纪录片中，已经暮年的她穿上了一件超大廓形的亮粉色皮草外套，头戴一顶镶满亮片的鸭舌帽，纵情地让自己与摄影和时尚共舞。

《纽约时报》就曾探讨过时尚在艺术家创作中所扮演的角色，其中更是引用了她的观点：“你可以用自己衣橱里衣服的形状、重量、颜色和气味，来重现和铭记你的人生。”

这就不得不提起1978年的那个极具突破意义的表演艺术作品《宴席/身体部件的时装秀》，即便用当代视角去剖析这个作品，也仍旧会被其中的多元和先锋性所吸引。

尤其是穿着者身上扭曲且臃肿的服装，让人不由得想起那位纵贯布尔乔亚艺术与时尚史的设计师——川久保玲。

在品牌Comme des Garçons经典的“隆与肿”系列中，我们不难窥探到同样对于女性身体的夸张及解构，而服装不仅极大程度上完美诠释了她们对艺术的理解，也同样给予了布尔乔亚更多的疗愈和释放。

众所周知，布尔乔亚与Helmut Lang的跨界合作被称作是时尚界的一段佳话。海尔姆特·朗（Helmut Lang）就曾这样描绘她道：“她的各种感知都是那么精准，因此总是可以按照意愿展现自己的风姿。”

她在艺术灵感蓬勃而发的那年创作了“蜘蛛”系列，也在近年与Helmut Lang相识，你可以从她的衣橱中找到很多Lang的作品，而Lang口中的那份强烈的、无条件的情感联系也在不经意间促成了品牌众多经典的时尚单品。

以先锋的姿态将纯粹的美学再次示众，这又何尝不是一种携挚友共鸣的延续与升华？

“无论是拍摄时尚还是战争，首先她都是一个超现实主义者”。

在当时的巴黎，时尚摄影师并不少见，但见证过圣马洛在战火中摧毁的样子，又见证着时装沙龙的复兴；既了解齐格菲防线又懂得最新流行时装曲线的却是寥寥。

而李·米勒（Lee Miller）就是最具代表性的一位。

通身萦绕着的“反差感”总能成为每个时代令人津津乐道的流量密码，但公认的时尚与美丽在Miller这里却并不自做标榜。

不拘泥于风格的Icon、时尚摄影师、战地记者、美食作家等众多标签，却偏偏乐得自在。

简单实穿且稍显中性的着装虽然有悖于当时的时尚趋势，但在Miller这里反倒与她的外表达成了一种平衡，其中代表性的衬衫、风衣、阔腿裤以及宽松的罩衫更是成为了早期米勒标志性的时尚单品。

即便是成为一名战地记者，也能做到和自己的照片一样，优雅地与世界“对抗”。

穿男装、剪短发，一切在当时看起来相当激进的事情，在Miller这里都无比和谐，为她带来一种孩子气与女人味混合的特殊魅力。

人们惊叹着她的美貌和才华，也深深地被这种意志坚强且独立自主的女性特质所吸引。

而正因这份特质，米勒的风格也逐渐成为了无数时装设计师的灵感来源，并被注入进自己的设计之中，与品牌所传递的价值观产生着深刻的共鸣。

其中不乏因米勒的传记而深受启发的弗里达·贾尼（Frida Giannini），在她所执掌的Gucci 2007秋季时装系列中，处处都洋溢着极具复古与激情的女性力量；伊恩·格里菲斯（lan Griffiths）从Mille身穿制服的相片中汲取灵感，用高级灰和独特的剪裁方式，再将她最爱的斑点图案巧妙点缀，描绘着一幅幅刚柔并济的女性肖像；当时还在Celine的菲比·菲洛（Phoebe Philo）则更甚，在她的设计中，你可以屡屡寻觅到Miller的身影。

然而无论身份如何转变，Miller都始终致力于将艺术融入生活，极力捕捉着属于自己的，且隐藏着无数潜台词的个人风格。

和Lee Miller一样，乔治亚·奥基弗（Georgia OKeeffe）的一生都在出走，和她抹去一切冗余的艺术作品一样，重复描绘着同样的主题，不断地铸就着独一份的风格，热烈且弥坚。

在自传纪录片的开头，OKeeffe这样说道：“别人只能教你去画他们看到的风景，却不能教你怎么画下自己眼中的风景。”

为了寻找到属于自己的风景，她逐渐开始逃离都市，整日游走于荒芜的群山之间，画着一些极其膨胀的东西。

穿着蓝色衬衫和黑色背心，戴着黑色帽子出去骑马，像是一个西部牛仔，在雷雨中迎风乱跑，体会着未经雕琢的原始气息。

人们打趣OKeeffe的衣橱是出了名的单调，称那是“西南部修道式的简约”。

在20世纪50年代巴黎“新风貌”潮流的席卷下，她无疑是格格不入的，但无论是艺术创作抑或是个人风格，尽管非议重重，OKeeffe都能始终处于喧嚣之外。

因为特立独行的品味，让她对摒弃传统时尚的时装设计师克莱尔·麦卡德尔（Claire McCardell）格外钟情，以至于将其最经典的“家事服”（Popover ，用耐洗结实的斜纹布制的围裹式连衣裙）延伸进自己在新墨西哥州居所的衣橱中。

其实，OKeeffe独特的着装品味，源于她坚定自己到底喜欢什么，无论是作画还是骑马，穿着舒适悦己一定是第一要义。

她通常会将牛仔套装与传统印花图案的衬衫做搭配，再用一条几何图案的编制腰带点缀，而黑色宽檐牛仔帽更是她凸显个人风格的dress code。

OKeeffe总是试图将艺术家气息和女性意识糅于日常穿着之中，在时尚领域讲述着自己的故事，在荒芜的世界中释放着最后的浪漫。

自洽与随性是她们风格的基调，而风格也反哺于时尚界，给予其源源不断的灵感。而以她们为首的这几位女性艺术家所留下的风格遗产，也如她们的作品那般，总是如此的独特且清晰。

时尚潮流兜转起伏，但她们隽永的艺术经典，从没有被时代的洪流磨灭。

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